¿Qué hace que ciertos contenidos culturales sean más “accesibles” que otros?

Answer 1

Pasé algún tiempo pensando en esta pregunta hace unos quince años, cuando el debate entre la cocina moderna posmoderna y la producción moderna todavía estaba ‘caliente’. No recuerdo exactamente la respuesta que se me ocurrió, pero aquí hay algunas ideas (posiblemente polémicas). Siempre ha habido una producción cultural que tiende hacia representaciones figurativas o realistas. Pintura de cosas, canciones con un mensaje directo, películas con un comienzo, medio y final claros, libros con historias, etc. La paradoja es que la “realidad” no es realmente tan clara o clara. Pero estos tropos (de narrativa, cierre, resolución, etc.) proporcionan pepitas fácilmente digeribles que le dan a uno la sensación de haber adquirido algo o entendido lo que se estaba entregando. Es en este sentido que entregan contenido de manera literal: lo que ves es lo que obtienes. Del otro lado, del otro lado, está la vanguardia, cuyo interés es destruir todos esos tropos. Pero voy a dejar eso de lado por el momento y centrarme en un aspecto de la producción (clásica) de vanguardia que es la abstracción. La abstracción evita el contenido literal y los medios de representación. Entonces obtienes cosas como Picasso, Cage, Pollock, danza contemporánea, etc. En la producción cultural abstracta, las formas y los significados a menudo se dejan deliberadamente abiertos, lo que significa que el espectador debe completar el trabajo completando lo que falta, interpretando. De esta manera es lo opuesto a la literalidad. Una forma de mantener las cosas abiertas es no representar las cosas como aparecen en la vida “real”, por lo que la abstracción tiende a eliminar los modos realistas de representación (narrativa, cierre, linealidad, figuras reconocibles, etc.). He simplificado demasiado lo que es una historia mucho más compleja, pero la conclusión es que la abstracción requiere más trabajo por parte del espectador / consumidor. Tienes que interpretar, estar dispuesto a aceptar las cosas de una manera fuera de lo común, aceptar desafiar lo que crees que sabes y te gusta de una disciplina. Este trabajo no es para todos y no es para todos los tiempos. Me encantan las películas de Peter Greenaway, la música ambiental y las pinturas de Brice Marden, pero a veces solo necesito sentarme frente a un éxito de taquilla de hollywood y darme un paseo literal y fácilmente digerible.
Sin embargo, es importante reconocer que el trabajo abstracto no es, de facto, más sofisticado o mejor que el trabajo literal. Los críticos, teóricos e historiadores todavía lidian con la complejidad y la dificultad de la literatura clásica del siglo XIX. Hay trabajos, y estos son los que encuentro más fascinantes, que parecen funcionar entre ambos modos. Mi ejemplo, hace quince años, fue Matisse, quien estuvo muy cerca de completar la abstracción en un par de pinturas, solo para dar un paso atrás y trabajar en lo que a muchos les parece un modo más literal y decorativo. Pero de contrabando en sus imágenes legibles están todas las complejidades del espacio, el significado y la composición con las que Picasso estaba trabajando de una manera más, me atrevo a decirlo, de manera literal.
ps El historiador de la arquitectura William Curtis cita a los burócratas soviéticos que afirman que no creen que la población tenga ningún negocio en interpretar cosas (por ejemplo, pensar por sí mismos) y, por lo tanto, no hay espacio para el arte abstracto. El reemplazo del arte moderno por el realismo soviético es bien conocido. Es interesante que conocieran bien el compromiso que requieren los modernos (y en gran parte abstractos) y que consideraran esto una amenaza.

Answer 2

Puedo intentar una explicación que mezcle la predisposición individual con el marco social. Estos son mis conductores:

Sincronización: la capacidad de cualquier contenido cultural, arte o vestuario para tener significado e impacto en la realidad de cualquier sociedad. Cuanto mayor sea la relevancia, mayores serán las posibilidades de ser comprendido y valorado.

Nivel cultural: la diferencia entre la complejidad del trabajo, la intertextualidad, incluso la profundidad y el nivel cultural de la sociedad.

Nivel de aislamiento: el arte es una metáfora, luego el arte es traer algo nuevo al mundo, luego siempre hay algo en el lenguaje utilizado que significa un desafío. Por lo tanto, siempre existe el riesgo de no ser entendido.

Ahora, muchas personas a las que les gusta llamarse artistas confunden esto con el valor real de sus obras. -En mi opinión no es lo mismo, aún más, el desafío debería ser producir obras accesibles con impacto cultural y artístico.

Impacto en los medios: no es necesario explicar mucho, los medios multiplican el impacto del contenido cultural.

Encanto: las personas tienen que ser seducidas por un trabajo, no puedes esperar que una persona sepa lo bueno que es algo antes de intentarlo. Pero hay muchas maneras de forjar promesas de placer, alegría, etc. Es por eso que las películas tienen trailers, folletos de conciertos de música, etc. Puede haber una gran cantidad de contenido cultural que a la gente le guste, pero no se sienten atraídos solo porque a nadie le importa seducir ellos.

Consumir (Tiempo): qué tan fácil o rápido es el producto. Sí, la cultura tiene que ser consumida, y esto significa que lleva tiempo, tiempo prestado de otras actividades. Por lo tanto, un consumo más rápido proporciona una ventaja al contenido cultural.

Consumo (distribución): portabilidad, precio, empaque, canales, esto puede parecer extraño para el arte, porque nos gusta pensar que se trata de ideas y genios, pero piense en El Guernica. No es lo mismo ver el original, ni una reproducción a tamaño completo que una letra pequeña.